Les meilleurs animés sortis en 2020

L’année 2020 est derrière nous et avec elle nous avons voulu réunir les membres de la rédaction de cette section pour commenter les meilleures séries diffusées au cours de l’année. Nous tenons à préciser qu’il s’agit en tout cas d’une liste totalement subjective, d’après ce que nous avons pu voir. Vous pouvez vous identifier à certains des noms que vous lisez ci-dessous. Mais vous pouvez aussi trouver complètement fou que d’autres soient là. C’est bon, c’est ce dont il s’agit. Parce que la variété devrait toujours être acceptée. Cela dit, nous tenons à préciser que tous ces titres sont des premières ou des seules saisons qui ont été diffusées en 2020, ce qui exclut toute forme de continuation. Ils sont classés uniquement et exclusivement selon la numérotation alphabétique. Nous ne cherchons pas à indiquer quelle est la meilleure œuvre de l’année, mais plutôt à recommander les séries qui nous ont le plus captivés. Enfin, et comme nouveauté intrinsèque à cette édition 2020, nous avons également décidé d’ajouter cette année certains des films les plus remarquables de l’année, des films que nous avons pu apprécier en toute légalité en Espagne, que ce soit par le biais d’une plateforme de streaming ou dans nos salles de cinéma. Pourquoi laisser de côté des produits aussi nécessaires ?

Adachi to Shimamura (Tezuka Productions)

Il semble que, petit à petit, le média fasse de petits pas vers l’inclusion et que l’existence d’identités différentes cesse d’être un fait isolé. Adachi to Shimamura fait partie de ce changement, un Girl’s Love qui ne s’attache pas à mettre en avant le fait d’avoir une relation homosexuelle comme personnage principal, mais sur la relation en tant que telle, ainsi que sur l’évolution de ses personnages et la nature intrinsèque de leurs personnalités. Adachi to Shimamura est plein de charisme, tant au niveau de la relation principale qu’au niveau de ses personnages – personnages secondaires, soulignés, inclus -. L’adaptation de la pièce de Hitoma Iruma parle des premiers pas, des premières confessions et aussi des premières erreurs. Une proposition extrêmement tendre et douce qui montre les complications, les tessitures et les coups émotionnels qui accompagnent cette première saison de sentiments et qui est si caractéristique par son incursion dans le média. Un amour de lycée, qui puise davantage dans le naturel que dans le cadre de l’imagination et nous offre une multitude de scènes marquées par cette maladresse si difficile à oublier. Adachi to Shimamura est une œuvre sur l’amour qui parle de ce qui se trouve au-delà sans avoir besoin de rebondissements inutiles. Toute la chaleur qui a manqué cette année, peut-être, est résumée dans cette œuvre.

Appare-Ranman! (P.A.Works)

Une autre des nombreuses séries dont la programmation a été affectée par le hiatus qui a eu lieu au printemps, la coupant précisément à l’un de ses meilleurs moments. Sous licence de Selecta Visión, Appare-Ranman ! est la dernière œuvre de P.A. Works ; un exercice multiculturel qui se concentre sur une grande course transcontinentale qui se déroule d’un bout à l’autre de l’Amérique. La course n’est qu’un prétexte narratif déguisé en leitmotiv permettant à une galerie de personnages intéressants, drôles et variés de retracer des amitiés et des querelles, de régler des comptes du passé ou simplement de rechercher une reconnaissance bien méritée. Avec un samouraï loyal et un génie mécanique excentrique comme personnages principaux, Appare-Ranman ! s’appuie sur le charme caractéristique de l’œuvre de Verne et sur le cadre et l’esthétique du western pour créer un récit léger qui donne la priorité à la mécanique des relations entre ses personnages. Un produit qui se distingue par son esthétique et par une certaine touche de désinvolture très bien gérée grâce à une direction qui sait parfaitement que le moteur de la série n’a pas grand-chose à voir avec la locomotion.

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Deca-Dence (NUT)

Cette année, d’une certaine manière, est l’année des retours. Des visages familiers. Nous revenons avec un nouveau volet de SAO, un nouveau chapitre de Re:Zero, mais aussi avec certaines des personnalités les plus renommées du secteur. Nous parlons de Yuzuru Tachikawa, le réalisateur du très acclamé Mob Psycho 100 ou du célèbre Death Parade il y a quelques années. Un homme capable d’offrir sa propre vision du médium et de donner à ses productions un cachet unique. Un cachet qu’il démontre, une fois de plus, dans son œuvre actuelle : Deca-Dence. Né comme un projet de création d’un univers dévasté et de développement de nouvelles formes de vie, Deca-Dence franchit cinq étapes au-delà du purement conventionnel et crée, après ce que l’on pourrait appeler des bases conventionnelles, un cadre unique et tout à fait saisissant. Un titre qui, bien qu’il nous montre des agents ou des composants familiers, s’éloigne des tropes les plus courants pour faire de son univers un univers unique dans lequel on aura envie de rester un moment. Un plan dans lequel convergeront des idées merveilleuses, des scénarios titanesques et une animation à la hauteur de Mob Psycho lui-même.

Burn the Witch (Studio Colorido)

Si Masashi Kishimoto a récemment connu un échec plus que retentissant avec la publication de Samouraï 8, il semble que Tite Kubo soit revenu dans l’industrie avec un accueil que le créateur de Naruto aurait souhaité. Burn the Witch est la nouvelle série de Kubo qui a également bénéficié d’une adaptation correspondante en anime. Se déroulant dans un imaginaire diamétralement différent de celui de Bleach -bien qu’ils partagent un univers-, il s’inscrit dans un contexte et une fantaisie plus occidentale où la ville de Londres est érigée en ville où deux plans coexistent : le terrestre et l’inverse, où la magie cesse d’être pure imagination et où des créatures telles que les dragons prennent leur envol. Précisément, les dragons sont la cause d’une grande partie des catastrophes et des décès de la ville, et la formation d’une organisation chargée de la gestion et de la conservation de ces créatures est inévitable ; et c’est là que le duo de protagonistes féminins entre en jeu. Court et concis, Burn the Witch est un excellent point d’entrée dans un nouvel imaginaire de l’auteur qui, malheureusement, promet plus qu’il ne tient sur le plan de l’intrigue et de la construction du monde. Pour le reste, le Studio Colorido fait un travail remarquable en termes d’animation, traduisant le matériel original sous un style pictural et une mise en scène vraiment saisissants.

Dorohedoro (MAPPA)

L’adaptation de MAPPA s’est avérée être, contre toute attente, l’une des plus grandes surprises de l’année. Honnêtement, les choses s’annonçaient mal ; adapter une œuvre aussi authentique et sombre que Dorohedoro n’est pas une tâche facile, encore moins si vous décidez d’utiliser les techniques de modélisation et d’animation 3DCGI sur les personnages. Les premières bandes-annonces n’étaient pas très flatteuses, cependant, le studio a montré qu’il avait réussi à le gérer avec aisance. L’adaptation de Dorohedoro a été un travail réalisé avec un respect et une attention pour l’œuvre originale de Q-Hayashida qui est louable. Le psychédélisme et le surréalisme qui imprègnent les tons sombres, explicites, violents et, en même temps, enchanteurs de l’original sont intacts dans la traduction audiovisuelle. MAPPA a réussi à en capturer l’essence, puis à la modeler en une production agile, surréaliste et impensable, dont la narration devient incroyablement addictive au fil des épisodes et la dynamique de groupe s’améliore sans cesse. Dorohedoro est, peut-être, la surprise que personne n’attendait et dont tout le monde devrait parler.

Great Pretender (Wit Studio)

La meilleure chose qui aurait pu arriver à Wit Studio est de se détacher de la franchise populaire d’Isayama et d’explorer de nouveaux horizons, de s’installer dans de nouveaux climats. L’adaptation remarquable de Vinland Saga a été la première étape, mais Great Pretender est la preuve sans équivoque que le monde a besoin que Wit Studio produise des œuvres originales. Des escrocs qui se font escroquer, des stratagèmes et des tromperies calculés, et une équipe qui s’acharne à escroquer les rebuts les plus méprisables de la société. Sous une mise en scène et un scénario excellents, Great Pretender éblouit par une proposition divisée en cas ou arcs d’intrigue aussi disparates qu’uniques, petits exercices où toutes les facettes de la production fonctionnent comme une montre suisse. Une véritable odyssée de la tromperie perpétrée par un casting parfaitement équilibré, avec la présence de personnages féminins forts toujours au premier plan du jeu. Un changement de registre plus que mérité et satisfaisant de la part d’un grand studio.

Japan Sinks 2020 (Science Saru)

Si nous nous arrêtons pour analyser cette année, peu de choses positives peuvent en être retirées. Cette année a été marquée par des malheurs et des calamités, avec en tête de liste les prisons domestiques et l’incertitude constante. Mais si l’on regarde à travers le prisme du divertissement japonais, cette année a permis de voir l’un de nos réalisateurs préférés à l’écran à trois reprises. Nous parlons de Masaaki Yuasa, de son retour, mais aussi de son départ. Il est vrai qu’au début du mois de janvier, à la rédaction, nous avons ouvert l’année avec Keep Your Hands Off Eizouken ! et Love is in the Water, deux des derniers projets du réalisateur japonais qui nous ont laissé le cœur littéralement à vif. Deux titres qui ont défini l’amour de Yuasa pour le médium, mais qui ont aussi fait chauffer les moteurs pour l’une de ses dernières œuvres, du moins pour le moment. La saison estivale a démarré de manière un peu plus active et dynamique que le fade printemps, et Japan Sinks 2020 a été l’une de ses premières pièces à se manifester. Celui qui a le soutien de Netflix pour sa distribution et la plume de Masaaki Yuasa pour sa réalisation. Basé sur le roman de Sakyo Komatsu, Japan Sinks 2020 raconte l’histoire du naufrage du Japon ; une catastrophe à grande échelle que nous vivrons à travers la famille Muto et qui sera l’une des œuvres les plus sérieuses de Yuasa à ce jour. Avec une multitude de critiques derrière lui, de la part de la rédaction nous vous dirigeons vers lui sans crainte, sans peur ; parce que parier sur Japan Sinks c’est parier sur la réalité et ses conséquences, mais aussi sur ce cri d’espoir réel, un espoir capable de nous guider vers notre propre liberté.

Jibaku Shōnen Hanako-kun (Lerche)

Malgré ce que peut laisser croire au premier abord Jibaku Shōnen Hanako-kun, la nouvelle adaptation animée de Masaomi Andō et du studio Lerche, l’œuvre d’Iro Aida est une histoire qui associe le monde des humains à celui, beaucoup plus lointain et mal défini, habité par les esprits. Il établit ses propres règles et met en place un jeu très divertissant pour soutenir son histoire et capter l’attention du spectateur. Une combinaison des plus suggestives qui saura conquérir les plus curieux, mais aussi ceux qui veulent passer un agréable moment devant l’écran. Une époque qui, en plus de présenter certaines des histoires les plus étranges et les plus charmantes, saura connecter les cœurs de ses personnages et aussi ceux des téléspectateurs. Une production à prendre en compte cette année qui, même si elle ne parvient pas à capter votre attention à ses débuts avec son intrigue épisodique, le fera par son esthétique et son cadre ; surtout si vous êtes un fan du gothique, de l’inconnu et du surnaturel. 

Jujutsu Kaisen (MAPPA)

Loin des séries les plus colorées et bizarres et des films sur le thème de la mer dont nous avons parlé dans la salle de rédaction, cette année nous a réservé une surprise, soutenue par le travail de fer de la MAPPA. Je parle de l’adaptation en anime de Jujutsu Kaisen, l’œuvre de Gege Akutami qui, en plus de révolutionner le Jump avec Kimetsu no Yaiba, se positionne comme l’une des séries incontournables de 2020. Une série qui nous parle à travers les épreuves, les regrets et la honte. Une œuvre où les « protagonistes » sont les sentiments négatifs des humains convertis en malédictions tant redoutées. Un concept très bien mis en scène et ce seront les sorciers – les protagonistes les plus humains de la pièce – qui devront progressivement les surmonter. Une bataille qui se complique lorsque Yuuji Itadori, l’étudiant en sorcellerie le plus singulier de la distribution des personnages, mange une partie de l’une des malédictions les plus fortes et les plus redoutées de tous les temps : Ryômen Sukuna. Son intrigue ne surprendra peut-être personne, mais ce n’est pas non plus son intention ; ce sont d’autres facteurs qui nous mèneront à Jujutsu Kaisen. Un titre capable de briller au milieu des ténèbres des Malédictions et qui, en plus de nous surprendre par sa mise en scène plus que satisfaisante -et, permettez-moi, surprenante après toutes les craintes qui ont été soulevées-, nous séduira par le charisme de ses personnages et une action qui ne fait qu’aller crescendo.

Kakushigoto (Ajia-do Animation Works)

Comme s’il s’agissait d’une recherche scientifique, Kakushigoto était né. L’œuvre de Kōji Kumeta, qui a commencé sa publication en 2015 au Japon, a été en 2020, grâce au travail d’Ajia-do Animation Works, comment elle a atteint cet espace spécial qui avait été réservé pendant si longtemps dans la grille de télévision. Comme l’œuvre de Nisio Ishin, Kakushigoto naît de son propre nom, comme la conjonction des kanji en japonais murmure à nos oreilles : secret. Kakushigoto représente cela dans sa forme la plus pure, et comme s’il s’agissait d’un tour de magie, Kōji Kumeta l’utilise comme titre de son histoire et comme leitmotiv de son intrigue. Une idée qui n’est pas très farfelue mais originale dans son développement et sa proposition. Celui qui est devenu l’un des titres les plus marquants de l’année non seulement pour sa capacité à raconter une histoire entre un père mangaka et sa fille de manière stupéfiante et captivante, mais aussi pour la façon dont il parvient, par sa scénographie et sa composition, à nous captiver de la première à la dernière minute. Une série pleine de leçons, mais aussi d’amusement, de chagrin et de mystère. Un secret qui, comme l’indique sa propre étymologie, nous guidera vers la boîte numéro 18. 

Keep Your Hands Off Eizouken! (Science Saru)

Masaaki Yuasa fait partie de cette catégorie de réalisateurs dont il est impossible de ne pas recommander le travail. La consultation du portfolio du réalisateur japonais devrait être un must pour tout amateur d’animation en général. Parce que la vision de Yuasa illustre le désir de pousser le médium un peu plus loin. Keep Your Hands Off Eizouken ! marque son retour triomphal à la télévision après un circuit cinématographique qui s’est achevé avec Ride your Wave. Après plusieurs projets originaux, Yuasa se tourne vers le matériel de Sumito Ōwara pour adapter, comme lui seul sait le faire, une histoire de trois filles qui font de leur mieux pour réaliser un anime. Une histoire légère et joviale, modérément romantique avec le support mais avec l’espace pertinent pour lancer une fléchette critique occasionnelle. Et, bien sûr, un spectacle visuel où l’imagination détruit toutes les idées préconçues. Une lettre d’amour au média signée par quelqu’un qui l’aime autant que les autres.

Majo no Tabitabi (C2C) 

Lorsque la tendresse et la fantaisie vont de pair pour former la base d’une nouvelle œuvre, des résultats comme Majo no Tabitabi apparaissent. L’adaptation du roman de Jougi Shiraishi est l’une des surprises de cette année. Une première qui est arrivée sans susciter beaucoup d’attentes mais qui a captivé par sa magie. Son histoire est celle d’Elaina, une jeune sorcière qui décide de commencer à voyager autour du monde avec l’intention de documenter ses aventures et qui sert d’excuse parfaite pour créer toute une anthologie qui nous montre sous forme de nouvelles ses expériences. Un format qui se marie particulièrement bien avec la capacité de l’auteur à montrer le côté sombre de son monde et, donc, de l’être humain. Majo no Tabitabi est, toujours et à tout moment, une œuvre de contrastes. De la douce mélancolie à la plus sombre cruauté. De la magie d’une réunion à l’idée de la plus horrible des pertes. Une œuvre de lumière et d’obscurité qui reste dans une neutralité absolue, utilisant Elaina comme simple observatrice et faisant de son voyage une anthologie magique marquée par les deux extrêmes de sa proposition.

Munou na Nana (Bridge) 

Munou na Nana est arrivé presque comme la contre-proposition à l’œuvre de Kohei Hikoroshi. Un épisode qui va à l’encontre de tout l’optimisme que l’on peut lire, notamment dans My Hero Academia, et qui transforme un postulat similaire en un puits sombre où l’égo, la marginalité, la peur et la maltraitance font partie des eaux qui alimentent son développement. Le développement émotionnel de jeunes gens ayant accès à des pouvoirs surnaturels capables de changer complètement les impositions humaines et qui, pour éviter un tel désastre, sont envoyés sur une île – ici la référence à Battle Royale – où ils sont entraînés et éduqués pour vaincre les « ennemis de l’humanité ». Mais qui se cache dans l’ombre de ces ennemis ? Sous son apparence innocente, la dernière production de Bridge pose tout un jeu de suspense psychologique basé sur l’intrigue et la suspicion qui touche directement Nana, son personnage principal. La surprise n’est donc pas le plat principal de ses tensions, mais un élément familier qui, néanmoins, menace d’apparaître quand on s’y attend le moins.

My Next Life as a Villainess (Silver Link)

Le monde du harem a commencé à changer. Si Adachi to Shimamura était un exemple de la manière dont les valeurs identitaires commencent à imprégner le média sans avoir besoin de devenir, exclusivement, l’axe de l’action, My Next Life as a Villainess est un exemple qui élève ce que Haruba avait déjà réalisé avec The Quintuplets pour nous montrer le côté plus sain du harem. Nous parlons d’une œuvre qui prend l’isekai comme base, emmenant sa protagoniste dans son Otome préféré, où elle occupe la position de méchante, avec les seules options prédéfinies de mourir ou d’être exilée. Ainsi, Katarina – le nom du personnage en lequel elle s’est réincarnée – se donne pour mission de changer complètement les actions du méchant afin de gagner une place dans ce nouveau monde. Une intrigue particulièrement excentrique qui sert de corps et d’excuse pour développer une étude de personnages qui se traduit, en outre, par un harem bisexuel avec la force d’un ouragan dont Katarina est, bien sûr, le centre. My Next Life as a Villainess est un mélange de concepts qui ne devraient pas fonctionner mais qui fonctionnent, et qui fonctionnent magnifiquement. Un exemple de la façon dont un genre aussi excluant que celui-ci peut adapter ses mécanismes pour devenir quelque chose de complètement nouveau.

Tower of God (Telecom Animation Film)

Le nom de Slave In Utero est un nom qui a été brandi un nombre incalculable de fois avant l’arrivée définitive de Tower of God en anime aux mains de Crunchyroll et Webtoon. Une série qui a été louée des centaines de fois en tant qu’exposant de la fantaisie et de l’action à travers le manwha et qui est devenue, par ses propres mérites, l’une des séries de l’année. Malgré le fait que son adaptation ne nous raconte que le prologue de l’œuvre -ce n’est donc même pas la partie émergée de l’iceberg-, ce petit espace est déjà capable de nous montrer l’énorme imaginaire de l’œuvre de SIU. Son univers, et par conséquent sa tour, égrène le mystère et projette son mysticisme vers un énorme conglomérat de concepts et de personnages qui constituent, dans l’ensemble, un personnel aussi immense qu’attrayant, qui semble couvrir pratiquement tout point qui s’identifie à l’œuvre. Au-delà, les centaines de ramifications et d’intrigues personnelles qui s’ouvrent tout au long de cette présentation en font un foyer de tensions. La construction d’une étude de caractère qui l’amène à briller particulièrement, grâce à la dichotomie entre Bam et Rachel et la naissance d’une relation qui montre, en même temps, les meilleurs et les pires côtés de ses personnages.

Violet Evergarden Gaiden (Kyoto Animation) 

C’est en avril dernier que Netflix a ouvert ses portes, une fois de plus, à l’une des franchises les plus précieuses de ces dernières années. Nous parlons de Violet Evergarden, même si, pour cette occasion, nous nous concentrerons sur sa dernière production : Violet Evergarden Gaiden. Un projet qui pèse depuis ses débuts et qui, d’une certaine manière, a subi les conséquences les plus directes de l’incendie qui a dévasté Kyoto Animation il y a presque un an. Des flammes qui ont emporté avec elles des années de travail, mais aussi de multiples signatures qui ont caractérisé son moteur interne. Des mains qui ne seront jamais oubliées, mais aussi des esprits qui ont contribué à créer la nouvelle génération du studio. Et l’une d’entre elles est celle que nous allons mettre en avant ci-dessous. Une voix forte inspirée par les talents de Naoko Yamada (Koe no Katachi) elle-même, qui était déjà impliquée avec Taichi Ishidate dans la réalisation de la série originale Violet Evergarden.

2020 est une année de perte, mais aussi de renaissance, et à cette occasion, il est temps de mettre en lumière la proposition de Violet Evergarden Gaiden ; une proposition qui voit le jour sous la direction de Haruka Fujita, sous l’égide de Kyoto Animation et la musique d’Evan Call. Un film enveloppé des événements extérieurs les plus déchirants mais qui ne devient à aucun moment une histoire de deuil, bien au contraire. Divisé en deux moitiés, ses deux thèmes principaux sont juxtaposés : le passé et la perte VS l’avenir et les rêves. L’histoire se concentre principalement sur une autre mission pour la jeune Violet, bien que cette fois-ci, la littérature soit un peu plus mise de côté pour se concentrer sur l’enseignement de la manière d’être une dame dans la haute société. Un récit des plus touchants qui nous fera nous perdre totalement dans la démarche de Haruka Fujita, dans l’histoire fragile mais chaleureuse de Violet Evergarden Gaiden et dans la façon dont Kyoto Animation a perduré malgré ce sinistre feu cramoisi.

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